Ēriks Ešenvalds

Passion and Resurrection

Reparto:
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Pasión y Resurrección fue escrita en 2005 y estrenada por Māris Sirmais y el Coro Estatal de Letonia. Evitando la perspectiva narrativa única que caracteriza a los grandes montajes de la Pasión del pasado, el compositor ha reunido un mosaico entrelazado de textos de los evangelios, de las liturgias bizantina y romana, y del Antiguo Testamento. El resultado (aunque la música le da una continuidad sin fisuras) es fragmentario: una serie de instantáneas, la historia contada elípticamente (aunque directamente), combinando acción y reflexión a partes iguales; la cronología lineal no siempre se respeta estrictamente, y la historia comienza con una mujer caída que reconoce la divinidad de Jesús, y termina con María Magdalena (que puede ser esa misma mujer caída) reconociendo a Cristo resucitado. Esta circularidad (y hay ecos y pre-ecos similares dentro de la narración) sirve para enfatizar que no se trata de acontecimientos históricos, sino que ocurren en un presente eterno, al igual que la pasión y resurrección de Cristo son recreadas y re-experimentadas por los cristianos cada semana.

No hay personajes designados en la pieza: el coro expresa las palabras de Jesús e informa de los acontecimientos. La prominente soprano solista es una presencia distintivamente mariana y maternal, como la mujer que unge los pies de Cristo, como la visionaria María Magdalena y como una observadora tiernamente compasiva del sufrimiento de Jesús y su madre. El conjunto de cuerda amplifica por momentos las texturas corales, ofrece un apuntalamiento estático con zumbidos sostenidos y subraya sutilmente el mensaje vocal con contrapuntos irónicos propios.

La obra consta de cuatro partes, cada una de ellas precedida por líneas de las escrituras, que suenan sin interrupción. La Parte I se abre con cuatro voces solistas que cantan una composición de Parce mihi del español del siglo XVI Cristóbal de Morales; aparentemente preludial, este objet trouvé pronto se establece como una importante presencia de otro mundo cuando se le superponen acordes de cuerda suavemente disonantes, y el cuarteto solista vuelve posteriormente con material derivado de Morales, siempre un elemento inquietantemente extraño en el paisaje musical. El recitativo de la soprano que sigue es a la vez lamentoso y extático, apoyado por largas texturas de cuerda que revelan el distintivo tinte armónico de la obra - fluidamente modal, salpicado de cromatismo, e inclinado hacia un movimiento semitonal descendente en el bajo. La bendición coral que pone fin a esta sección posee una calma beatífica, aunque al disolverse en susurros la incertidumbre regresa con un coral de cuerda inquietantemente transparente.

La Parte II comienza con bordones de quinta abierta en los instrumentos bajos, anclando el inquieto lamento del coro en un estático Re menor, figuras sardónicas de violín que ofrecen su propio comentario disidente. A medida que el drama se intensifica, aumenta la sensación de presentimiento, con cambios armónicos descendentes y una mayor densidad cromática. Este relato de la humillación de Jesús tiene una musculatura palpitante que culmina con gritos martilleantes de "crucifícalo", rodeados de una textura de cuerda chillona que "imita los gritos extremadamente nerviosos de las gaviotas" (el compositor da instrucciones). Tras una llamada fortissimo al perdón, "no saben lo que hacen", sujeta a múltiples repeticiones, el cuarteto solista regresa, sus certezas tonales ungidas con el bálsamo curativo de la soprano, aunque cuando el coro murmura una versión latina de las palabras del cuarteto, la inestabilidad regresa cuando las cuerdas cuentan una historia armónica diferente.

La Parte III tiene una estructura de rondó simple. Sobre un Do pedal "eterno", el solista ofrece una extensa meditación, ambigua en su modalidad y adornada con notas de gracia y glissandi, mientras un solo violín ofrece un agitado y parpadeante canto. En dos ocasiones, el coro responde al solista con una claridad diatónica luminosa, mientras dos sopranos solitarias se elevan a alturas seráficas; la segunda vez, esta resignación dichosa estalla en gritos angustiosos y el lamento final es compartido por el solista y el coro; las cuerdas contribuyen a la desolación con sutiles enriquecimientos de la voz. De nuevo, el cuarteto solista tiene la última palabra, mientras Jesús entrega su espíritu.

El melismático y arrebatador solo sin acompañamiento que abre la Parte IV encuentra el eco de un canto coral silencioso, amortiguado por las cuerdas. El paisaje está desnudo, mientras suspirantes pares de acordes descienden vacilantes sobre un pedal interior. El deslumbrante momento en que "el Señor ha resucitado" es exultante y breve; hay un paréntesis de incertidumbre antes de que el cuarteto solista anuncie el acto de reconocimiento, que es el quid de la cuestión. Sus extasiadas repeticiones de "Mariam" atraen al coro, vacilante al principio, pero resplandeciente al final, cuando se asientan en una suave oscilación de dos acordes; la voz de María Magdalena se eleva por encima de ellos con silencioso resplandor. Una y otra vez se llaman, hipnóticos y serenos, mientras un coral de cuerdas luminiscentes asciende lentamente a las alturas. Sin embargo, hay una ambigüedad al final: ¿cuál de los dos acordes se percibe como la "tónica"? Esta falta de finalidad es esencial, ya que la historia debe comenzar de nuevo.

- de las notas de Gabriel Jackson © 2011