Jim Beard, Victor Mendoza

Revolutions

En su último trabajo, un ambicioso proyecto orquestal titulado «Revolutions», Beard retoma algunas de sus composiciones más antiguas junto a la Metropole Orchestra, con sede en los Países Bajos, bajo la dirección del director y arreglista Vince Mendoza. Estas interpretaciones, considerablemente ampliadas, de piezas como «Parsley Trees», «Crossing Troll Bridge» y «Holodeck Waltz» (de *Song of the Sun*), «Holiday for Pete and Gladys» (de *Lost at the Carnival*), «In All Her Finery» (de Truly...) y «Hope» y «Trip» (de Advocate) reafirman la profundidad del talento compositivo de Beard. Y aunque revela ciertas influencias a lo largo del camino —un toque de Aaron Copland, un poco de Burt Bacharach y una buena dosis de Joe Zawinul, con destellos ocasionales de Igor Stravinski—, hay un individualismo innegable en sus composiciones, cada una de las cuales sigue su propia órbita única. Como músico de acompañamiento, el teclista Jim Beard ha acumulado una impresionante lista de colaboraciones gracias a sus giras y grabaciones con artistas de la talla de Pat Metheny, Wayne Shorter, John McLaughlin, John Scofield, Mike Stern, Bill Evans, Bob Berg, Victor Bailey y los Brecker Brothers. Pero es como líder por derecho propio donde este nativo de Filadelfia y graduado de la Universidad de Indiana se ha distinguido como un arreglista dotado, un compositor consumado, un productor muy solicitado y un conceptualista ingenioso». A lo largo de cuatro discos como líder —*Song of the Sun* (1990), *Lost at the Carnival* (1994), *Truly...* (1997) y *The Advocate* de 1999—, Beard se ganó la atención tanto de la crítica como de sus compañeros músicos por su sofisticación armónica y su audaz instinto musical. VH1 proclamó que su *Lost at the Carnival* sugería «un encuentro entre Groucho Marx y Miles Davis, o quizás entre Errol Garner y Stravinsky». La estrella del saxo alto David Sanborn afirmó que Beard tiene «una de las perspectivas musicales más frescas del panorama actual», mientras que Pat Metheny lo describió como «uno de los mejores ejemplos que se me ocurren de un joven músico que conoce y domina a la perfección el lenguaje del jazz, pero que también está comprometido con el espíritu de aventura y descubrimiento que es esencial para que este género siga evolucionando». «En un principio, esto no estaba pensado para ser un CD», explica el compositor, que se mudó a Nueva York en 1985 y reside en Manhattan desde entonces. «En un principio, estaba programado y se grabó únicamente para una emisión de radio europea. Después de la sesión inicial, en marzo de 2005, decidimos grabar más material y hacer un CD completo». Beard añade que escuchar sus composiciones enriquecidas con 21 violines, una variedad de violonchelos y contrabajos, así como arpa, clavicémbalo e instrumentos de viento de madera, fue una experiencia estimulante. «Es una locura entrar en una sala llena de gente y oírlos a todos ensayando cosas que tú has compuesto. Fue una sensación muy extraña y que te hace sentir humilde. Creo que el grupo más grande con el que he salido de gira fue un sexteto, y ahí estaba yo, en una sala con 55 músicos». En sus grabaciones originales, Beard se acercaba a los arreglos orquestales mediante un uso inteligente de los sintetizadores (al igual que hacía Joe Zawinul con Weather Report). Como él mismo explica: «Siempre he tenido un gran interés por arreglar y llevar a cabo las cosas de una forma un poco diferente a la instrumentación estándar del jazz, que suele ser un trío de piano más uno o dos instrumentos de viento». Por ejemplo, en mi primer CD (Song of the Sun) incorporé a Bob Mintzer al clarinete bajo y a Lenny Pickett al sarrusófono y al clarinete en mi bemol para que desempeñaran papeles de apoyo en la música, y también utilicé una sección de trompas. Y, en realidad, no utilizo el sintetizador principalmente como instrumento solista. Lo considero más bien una herramienta para orquestar el sonido. Así que, en cierto modo, creo que gran parte de mi composición y mis arreglos han aludido a una expresión orquestal. Pero esta es la primera vez que se ha materializado de verdad, y estoy completamente enganchado a ello». Beard afirma que siempre ha tenido una naturaleza musical ecléctica, que se remonta a sus años de formación en Filadelfia. «Cuando mi interés por el jazz comenzó a germinar, sentí la habitual atracción apasionada por muchos de los grandes pianistas. Tuve mi etapa de Oscar Peterson cuando era adolescente; luego vino la etapa en la que me encantaba McCoy Tyner. Y, por supuesto, casi todos los pianistas pasan tarde o temprano por una etapa de adoración a Herbie Hancock. Pero al mismo tiempo escuchaba con mucha atención a Weather Report y también algunos discos de Chick Corea de finales de los 70, como *The Mad Hatter*, que para mí es uno de los trabajos más sólidos de Chick en cuanto a composición y arreglos. Utiliza un cuarteto de cuerdas y conjuntos de metales junto con sintetizadores… un sinfín de texturas y matices. También recurre a la voz, no solo para la letra, sino también para aportar color. Realmente hizo cosas alocadas y brillantes en ese disco». En Revolutions, el propio Beard se lanza a hacer cosas alocadas con la ayuda de Mendoza, quien ya había aportado su toque de oro como arreglista a versiones ampliadas de temas de los Brecker Brothers en *Some Skunk Funk* (2005) y de composiciones de Joe Zawinul en *Brown Street* (2006), ambos con la WDR Big Band de Colonia. Aquí añade cuerdas y exuberantes armonías de metales a los peculiares motivos de Beard y a sus intrincadas composiciones con cambios de compás, con resultados emocionantes. Todas las sesiones se grabaron en directo y en tiempo real. Como menciona Jim: «Estuve en la sala con la orquesta todo el tiempo. No hubo sobregrabaciones sobre una pista rítmica pregrabada. Nada de esas cosas prefabricadas. La sensación era: Vale, allá vamos… todos juntos ahora». El tema inicial, «Holiday For Pete and Gladys», arranca con un animado riff de piano al estilo del Professor Longhair antes de dar un giro radical hacia un terreno musical más complejo con todo el conjunto. «Esa es la parte favorita de la canción para la mayoría de la gente, esa introducción», dice Beard con un orgullo un tanto pícaro. «Es como si te resbalases de una silla con ese riff inicial. Pero luego quería evocar un estado de ánimo más concreto, como esos discos geniales de los años 50 que sientan tan bien. Cha-Cha D'Amor es una canción que Dean Martin cantaba en aquella época con ese sentimiento. Me gusta el ritmo tranquilo y algo asentado de la canción, pero también busco que de la armonía surjan la aventura y la sorpresa». También hay un sutil trasfondo de mambo, junto con alusiones a las composiciones de Burt Bacharach de los años 60. «Me encanta la música de Bacharach», afirma Beard. «Canciones como Do You Know The Way To San Jose son increíbles, tan atrevidas e impredecibles. Y lo más sorprendente es que fueron éxitos. No se encuentra nada parecido en la música pop actual. Los ejecutivos de la industria actual nunca dejarían pasar algo así por sus escritorios». En las notas del disco Revolutions, el guitarrista y colaborador de toda la vida de Beard, Jon Herington, se refiere a «un elemento radical que aflora de vez en cuando en algunas de las composiciones de Jim». Esa cualidad se hace patente en los pasajes muy densos y el crescendo disonante de «Hope», a la que el arreglista Mendoza apodó «la pieza de Stravinsky». Y a pesar de la oscuridad que caracteriza a parte de la pieza, también hay una sensación subyacente de optimismo y luz, tal y como sugiere el título. «Muchas veces, la esperanza tiene que surgir de la oscuridad y la locura absolutas», afirma el compositor. El solo de sintetizador de Jim aquí es especialmente al estilo de Zawinul. También señala que, en la grabación original, el percusionista Arto Tuncboyacian aportó unas voces salvajes y sin letra a la pieza. En esta nueva versión orquestal, Mendoza tomó la parte vocal de Arto y la adaptó para cuerdas. «Así que hubo un intento consciente de capturar o recrear parte de la esencia que teníamos en la grabación original», explica Beard, «con los instrumentos de la orquesta imitando la voz de Arto y la percusión orquestal recreando el ritmo de Arto». «Diana» comienza con una frase repetitiva que hace eco del propio título de la canción. Lleva el nombre de una antigua novia y refleja el vértigo y el optimismo que sintió durante sus primeros años en Nueva York. También cuenta con un solo de guitarra al estilo de Steely Dan, brillantemente elaborado por Herington. «Sin duda es un maestro», afirma Beard. «Es difícil encontrar músicos que puedan hacer eso. Literalmente, se pueden contar con los dedos de una mano… los guitarristas que no sienten esa necesidad de llenarlo todo de notas y estar siempre ocupados». «Lost at the Carnival» tiene un aire de montuno con algunas líneas de inspiración de Oriente Medio mezcladas por encima. Como señala Beard, es casi una réplica de la grabación original de 1994. «En la versión original de Lost at the Carnival utilicé cuerdas sampleadas y tenía algunas líneas de fondo de instrumentos de viento de madera reales, además de las líneas de sintetizador», explica. «Le entregué las reducciones de la pieza a Matt Harris, que se encargó de la orquestación de esta nueva versión, y se mantuvo bastante fiel a la hora de asignar los instrumentos de orquesta exactamente como yo lo había hecho antes. Así que realmente es una versión a gran escala de la pieza original. En otras palabras, esto es lo que me hubiera gustado hacer si hubiera podido permitirme una orquesta en aquella época». «Princess» se basa en un ritmo de cha-cha-cha, mientras que «In All Her Finery» imita ese mismo ambiente del corazón de Estados Unidos que Metheny evocó en temas tempranos como «Midwestern Night's Dream», de su primer álbum con ECM, *Bright Size Life*. «No es un guiño directo a Pat, aunque soy un gran admirador de Metheny», afirma Jim. «Es otro músico que disfruta de verdad del potencial del mundo de la orquestación y de llevar a cabo proyectos a gran escala, especialmente en sus colaboraciones con Lyle Mays». «Parsley Trees» contiene un pasaje de cuarteto de cuerda y un solo de saxo soprano de gran envergadura a cargo de Bill Evans (Wayne Shorter tocó en la versión original). Beard comenta: «Tanto Parsley Trees como Holodeck Waltz las compuse justo después de terminar una gira de un año entero con Wayne Shorter, interpretando temas de sus álbumes *Atlantis* y *Phantom Navigator*. Wayne estaba creando música realmente extraordinaria durante ese periodo y yo estuve sumergido en ese mundo durante un año entero. Cuando tuve algo de tiempo libre, «Parsley Trees» y «Holodeck Waltz» surgieron con bastante rapidez». «Trip» es probablemente la que ha sufrido la transformación más radical de todas. Originalmente era un tema techno psicodélico grabado en Advocate con el tándem de drum ‘n' bass formado por Zach Danziger y Tim Levebre, pero Mendoza lo ha reinterpretado aquí como un tema de big band al estilo de Stan Kenton, de ritmo rápido y swingante, lleno de intrincados ritmos cruzados y rearmonizaciones, y subrayado por insistentes líneas de bajo «walking». «Fue una sorpresa, porque nunca esperé que Vince quisiera trabajar con ese tema», dice Jim. «Pero cuando Vince lo escuchó, dijo: Sí, creo que quiero intentar hacer algo de big band con él. Y el resultado fue fantástico. Sin duda, tiene su toque». La colección se cierra con una nota algo sombría y evocadora con «Crossing Troll Bridge», que combina una especie de marcha militar con un toque español. «Es de mi primer CD, *Song of the Sun*», explica Beard. «Toots Thielemans tocó en la versión original. Esa primera grabación mía fue un intento de hacer algo diferente. No quería hacer un disco estándar de jazz puro o de fusión; quería que cada pieza tuviera carácter, algún tipo de personalidad, algo que la hiciera destacar». Y ha mantenido esa actitud transgresora en todas sus grabaciones hasta la fecha. Ahora, «Revolutions» se erige como el mayor logro de la brillante carrera de Beard.,detected_source_language:EN